开篇男主的咳嗽、安非他命、眼药水、洗澡、“It‘s show time, folks”伴随着快节奏弦乐一一闪过,弦乐像催命的音符,快速剪辑更增添紧迫感,为男主生命最后一程打下基础。男主咳嗽的噪音随着影片进行愈加频繁,观者的心情与男主同样烦躁不安。他在烦躁排练的不满,我在烦躁他的烦躁。
男主在与白衣女子,我称之为“上帝的使者”,在无人的片场忏悔自己的一生,工作、家庭、私生活是组成他的全部内容。两人从审视、到交谈、到请求,一生所为临终追悔莫及。
男主剪辑的脱口秀电影和上面两个段落,这三段反复出现,分别代表现实(脱口秀)、幻想或梦境(白衣女子)、现实与梦境之间(弦乐)。脱口秀电影上映之后,男主病情加重,现实部分的男主已经油尽灯枯,也就不需要弦乐段落来从梦境中拉扯。相同段落的反复出现是一种冒险的手法,每一次在细节上的微小变化要与影片节奏对应得恰如其分,同时反复的重复会一遍遍加深观众的印象,不失为一种讨巧手法。
男主作为导演的角色,联想到《八部半》,同样是功成名就,为一部新片焦头烂额
而男主在剧中的作品在影片中部通过练习室的一次预演完整展现,没有大舞台炫丽的灯光和观众,只有简单的烟雾和4束手电光源。男主自己在剧中没有一次得到过外界任何好评,也没有过他演出时的高光时刻。仅在影片最后,一位影迷向他对手导演索要签名时听到了对他的认可。
后半段的歌舞表现与导演Bob Fosse前作《歌厅》异曲同工,都是通过歌舞片段呼应主角的心理变化。男主自己走过了everywhere,与白衣女子忏悔的everywhere,最终到达了nowhere,可视为虚无。
影片结束在他的生命突然结束,而于他而言真的突然吗?
这是一部关于死亡的命题,却极力展示生命的强烈和绚丽,的确,浮生若梦、尽力而为。乔在自己的工作领域里极尽才华,但人的确是多面体,生活中对自己也满是嘲讽。
故事围绕现实、梦境以线性叙事展开,为数不多的场景却是复杂的场面调度,机位、角度展示着主角的心理动态,歌舞片的精彩在于声画、风格化剪辑,难度很大,影片中的很多印象深刻的片段多应用到了声画对位。
贯穿全片的两组反复蒙太奇,预示着剧情的走向。我主观的分为两种生理上和心理上。影片开篇就是一组日常镜头,滴眼药水、泡腾片、播放的磁带、抽烟、药物,此后出现了起码三组类似剪辑,情况每况愈下,此为生理。第二组是白衣女子——“死神”,她和乔不断聊天,揭示了乔内心的轻微的反思和绝望,死神的进程体现在她的服装的变化,一个揭开面纱的过程,此为心理的映照。
慢慢懂得了好电影的魅力在于多看一遍都有多看一遍的收获。最后其实我想说的是,这就是艺术的魅力吧,“我来人间大闹一场”。
关乎一个满是荷尔蒙和艺术创造力的编舞家Joe,一生一半为艺术,一半为女人,却也不乏真正的爱恋对象(女儿、前妻、女友)。An artist, and a womenizer.
作为充满荷尔蒙的人,一辈子风流,死前独白对象的死神竟然都是一个薄纱女神——终于,这个女人不再像历经的那么多女人一般容易到手,终归高冷了一些,但仍然不乏性感——但最终,还是被他“得到”。死亡的象征意味自始至终明确。
作为艺术投入度和艺术创造力爆发的人,电影后半部分几乎就是临死前的挣扎,却贯穿着各种由Joe身边亲爱的人和濒死前偶遇的人的轮番上演的jazz show,各种灵感迸发,各种场景浮现。此外,在生前,每天靠药支撑时,天天对镜子讲“Showtime”,满心是他的show business,拒绝平庸,拒绝重复。
说到电影制作,因围绕导编舞及剪辑师Joe,自然在剪辑、编曲、编舞上不能落下风——剪得与音乐真让人眼花缭乱。其中,剪进去一个Joe刚导演、剪完的片子,是一个个人脱口秀,讲了死亡的五个阶段,在电影的前半部分出现,还是呈现Joe工作的一部分,后面就自然而然成为自我表白了。设置得妙,剪得也妙。最终,告别生命成为一场舞剧狂欢。
电影的编舞的丰富离不开Jazz音乐本性的自由发挥——在Jazz的各种可能性下,编舞的多样也发挥到最大。
天呢!这可是上世纪70年代的电影啊!!!
本文首发于深焦DeepFocus专栏 “丑闻!争议!戛纳居然也有这样的过去”
如果怂胆假设并且胡乱推证:1980年鲍勃•福斯(Bob Fosse)的《爵士春秋》(<All That Jazz>)斩获戛纳最佳影片的争议,在于导演的自我剖析能得到艺术层面认可;其二的争议似乎可以说是主观因素:当年戛纳评委的主席是美国人柯克•道格拉斯(Kirk Douglas),评审团将金棕榈给了《爵士春秋》是由于评委的主观因素也不无可能,毕竟道格拉斯曾是一名百老汇舞蹈演员。
《爵士春秋》是鲍勃•福斯将承载着高度个人化的精神与心理自我剖析的密码,编入毕生的歌舞成就高峰的程序之上的半自传性质的影片,甚至有人冠以“歌舞片中的《八部半》”的标签。罗伊·沙伊德尔(Roy Scheider)饰演的乔•吉迪恩(Joe Gideon)是百老汇的支柱,他在跳舞、编舞、导演等方面都能表现地才华横溢,几乎透支了所有精力与时间在工作至上,工作时间沉浸在舞蹈演员的身体之中;相对的私人生活一片糟糕,游走在女性身体之中。致命的心脏问题蛰伏在深水之中,直至爆发的时刻,吉迪恩已然无法逃避这颗炸弹。身体的陨落消亡的节点,同样也是吉迪恩艺术成就的最高峰,他属于舞台,固然舞台也是吉迪恩最理想的墓园。
吉迪恩和福斯有着极高的相似之处,前者可谓是后者的镜像,福斯作为唯一同时斩获了托尼奖、艾美奖以及奥斯卡最佳导演奖(《舞厅》(<Carbaret>),1972)的多栖杰出人才,在1987年死于心脏病发作,享年60岁。号称“艺术影片殿堂”的金棕榈,居然落到了福斯的头上。
从当年的争议来看,《Time Out London》杂志认为,福斯花了大量篇幅展现的吉迪恩的内心是晦涩难懂而非艺术性的,做作的影像表达甚至将电影中的完美的歌舞编排埋葬了;《Variety》杂志则认为,除了自我之外究竟是什么在支撑吉迪恩的创作,影片没有给出合理的解释。但几乎公认的是,《爵士春秋》的歌舞编排是难以超越的,即使今日语境下的大众很容易被《爱乐之城》打动,然而以痛苦为主体、晦涩形式之下的《爵士春秋》始终是歌舞电影的里程之作,斯坦利•库布里克直言这是他看过最好的一部电影。福斯将镜头毫不吝啬地带进了舞蹈编排的过程之内:吉迪恩(福斯)的极致苛刻指挥下,演员恣意舞动的身体仿佛五线谱上的乐符,同时福斯也将镜头的运动与之匹配地天衣无缝。如果说罗伯特•马歇尔的电影版《芝加哥》仅仅是一个小孔能够窥见福斯的世界的话,《爵士春秋》则已经走入无形美的层面。
也许福斯身后,百老汇已经难以升起新星,而《爵士春秋》作为福斯的镜子,将百老汇的碎片化的黄金时代展现给大众,同样罕见的是作为歌舞电影,从内心世界的题材,到内心场景与现实场景交错展现的形式,以至从演员延伸到银幕外的导演都是形而上的,《爵士春秋》本身就是痛苦不断绵延的回音,超过歌舞片的形式了。
一部探讨了死亡的歌舞片。
视频小哥一直在画中画说:伊丽莎白·库伯勒·罗斯的研究发现:濒临死亡的人会经历5个心理阶段,分别是否认、愤怒、交涉、抑郁、接受。
男主一开始对那段视频解说是不以为然的,戏谑,鄙视。直到男主心脏病发,住进医院,他开始完美的诠释了那段解说,为那段视频做了完美的注脚。
医生告诉他这病很严重,必须住院治疗,他却认为怎么可能很严重,前一天还在好好的排戏,转眼就严重到可以要了小命呢,他还想回去继续排戏,直到再次心脏病发,他才乖乖的躺回去接受住院治疗。
在住院治疗期间他不停的喝酒抽烟办派对,并且在性欲方面也完全没有节制,和医生要求的背道而驰,这也是在否认,他完全不想面对这个事实,也许他内心有意识到这个病有可能很严重,但是他用那么多的欲望把自己填满,没有时间和内心空间去想死亡是否已经临近,他可以避免面对探索事实真相。
再次复检的时候,各种指标不合格,医生给他做心脏导管手术,他开始担心会就此死去,他开始把死神当一回事了,他开始讨价还价,想再让自己活一会,现在还不想死,还想和女儿在一起。他恳求死神,现在还不想死。他最终没有立刻被死神带走,他恢复神智了。
当他以为自己真的从死神手中躲过一劫之际,再次病发。他这次真的感受到,死神是真的,死亡不远了。他失神落跑,不知道要去哪里,只是漫无目的地想要逃开,逃到没有人的地方去。
直到走到一个黑人大叔那里,黑人大叔陪着他唱歌,从这里开始,他累了,也许知道自己无处可躲,他开始等待,等待死神的拜访,等待死亡的降临。他开始和黑人大叔一起唱歌,突然觉得好心酸,你挣扎,你想逃,但就是那么无奈,你无法改变。虽然你排戏很出色,你想留谁就留谁;虽然你床上功夫了得,你想上谁就上谁,但是这一次,你再也做不了主,不是你说了算,你唯有无力的接受他。
男主用自己的生命,把画中画的演说词鲜活的演绎了一遍:否认、愤怒、交涉、抑郁、接受,然后死亡。
在鲍勃·福斯导演兼编舞百老汇音乐剧《芝加哥》时,他的第三部电影《伦尼的故事》也在进行后期制作,双重压力下,酒精、香烟以及各种药物压垮了他,福斯在突发心脏病后有了一次濒死的经历。这段经历后来便被他搬上了银幕,尽管这部半自传性质的电影带有很强烈的自恋倾向,但相对客观,没有过度粉饰福斯本人的出轨行为。除却本人,影片中的绝大部分角色都源于真实生活,可与现实之间的关联并没有让《爵士春秋》走向传统传记片的泥潭,反而造就了一次形式主义的狂欢,快速的交叉剪辑让电影、舞台、现实、梦境交织在一起,死亡空间里丰乳肥臀的女人、滑稽的表演和台下哄笑的观众似乎指向了费里尼的《八部半》,不过这些更像是福斯的《阿玛柯德》——在弥留之际的追忆与回溯。影片上映八年后,《爵士春秋》中的内容如预言般变成了现实,令人唏嘘不已。
看完《歌厅》我说自己从没看过这样的歌舞片,没想到看完《爵士春秋》还是这样的想法。鲍勃福斯真的是编舞之王,现在哪还有歌舞片能这样如此地把肢体语言融入到叙事里,“人生就如走钢丝,其他时间都是等待”,影片的每一段表演,每一种剪辑,都透露着对生活的孤注一掷...
本以为是爵士乐,没想到却是爵士舞。
整个片子除了歌舞(主要还是舞,音乐实在不咋),就是反反复复的对死亡的恐惧而已。而且还恐惧得非常空洞单调。秀场的复杂性也仅仅生硬浅显的点到一些。论艺人人生的混乱,远远比不上《Velvet Goldmine》和《The Doors》。拍摄手法还行,很多smash cuts,虽然有点眼花缭乱讲得还算清楚。论整体水平,音乐,和深度,还是比《芝加哥》差远了啊。
【B+】“她不是在点评电影,她只是想显示自己有多聪明。”一位导演遇上创作瓶颈的故事,线性叙事插叙幻境,如同歌舞版的八部半,充满了自我解构与嘲讽,第三幕彻底走向梦的狂欢崩析。剪辑和音效都充满了先锋意识,看得出对达伦的黑天鹅与梦之安魂曲,都产生了很重的影响。
4.5;“你的肉体只是时光、不停流逝的时光。你不过是每一个孤独的瞬息。”披肝沥胆,焚烧自身殆尽,以抵抗生命的虚无,死亡的追逐;死亡是唯一现实,是最好的落幕,醉生梦死抵不过对平庸的恐惧;大量意识流的内心剧场设置得极先锋,歌舞成为内心戏和情感表达的最佳方式。
Roy Scheider举手投足把一个好色又有才华,娘气和傲气同在的歌舞剧大导演得淋漓尽致,舞台艺术极近华丽,美腿控必看!
基本可以说是代表了传记片的最高水准了。回忆,现实,死亡幻觉互相穿插,手法令人惊艳。而男主起床后的一系列重复蒙太奇也对带动节奏起到了不错的效果。至于影片最后用爵士歌舞来穿起男主一生的表现手法,估计不仅前无古人,后来者也很难再超越了。而且舞蹈也设计得如梦如幻。当然罗伊的演技也极为精湛
你就是歌舞片领域的库布里克!
直至北影节才迟迟看上,比《爱乐之城》喜欢不止一个量级。带着1970年代特有的阴暗色调和摇摇欲坠的城市气质,艺术生命也在2小时的虚实交替、梦境重叠、意乱情迷之间,从在女人烟酒中的纵欲挥霍,变成病床前的苟延残喘。在梳理舞台剧生意经同时,与演员、妻女、投资者的告别,也在欢歌中呈现悲剧效果。
歌舞片的“八部半”,将承载痛苦和荣耀的生命放入跳跃错乱的叙事中,用爵士乐庆祝死亡的到来,看完觉得人生真是好大一场虚空...
歌舞片能做到这个地步,基本已经登峰造极,没人能超过了,这样的观感此生估计也是只有一次。舞台-电影-现实-天堂四重时空交叉剪辑,相互依存、映射、预示,一开始让人不明就里,越往后越觉得牛逼。男主一方面让人迷醉,另一方面又充满腐臭和死亡气息,几段编舞让人瞠目结舌,还有大量幽默贯穿其间。
片中的主人公是一位叫Joe Gideon的百老汇资深导演,他天马行空,我行我素,才华横溢,但是由于没有树立起远大的理想和正确的人生观和世界观,工作的压力和情感的放纵使他灰心厌世,健康每况愈下,最后在其作品的歌声舞影中,Gideon哼着《再见我爱》在手术台上踏上了不归之路////我操这个简介谁写的!
重刷,修复质量极佳。鲍勃·福斯,将形式主义推向极致的歌舞之王,醉生梦死、浮生若梦。
鲍勃·福斯第4作,1980戛纳金棕榈。影片将回忆(死亡的5阶段-愤怒否认讨价还价抑郁接受)、幻想(向白衣死亡天使倾诉)、闪前(临终)与现实交叉剪辑,呈现了一位酗烟、嗑药、浪荡的歌舞剧导演通往死亡之路。主观视点的声音特写搭配静默环境音处理:外化心脏病发预兆。情色舞剧排演,[再见我爱]。(9.0/10)
Joe的本性不是濫愛,而是缺愛。也只有這樣的男人,才會大期將至了,都仍妄想著用妄想「登臺」取代現實生命「下臺」的慌寥。
戏比天大,人如幻梦一场。“我们的宗旨是带你四处翱翔,但你哪也去不了。”
so sexy ! so sad ! so dreamy !
这个版本是不是被剪切了?总之芝加哥绝对是抄袭这个爵士春秋的
#大师展#“我从童年继承下来的东西只有一件,就是对平庸生活的狂怒,一种不甘没落的决心。”